Súmula: Revista de Teoría y Análisis Musical

La prosodia como fuente de inspiración en la composición, análisis de dos obras propias: I Have a Dream y Romancero gitano

2023-12-14T15:49:40+00:00

Este artículo explora la noción de prosodia y su relación con la composición musical. El estudio lingüístico de la prosodia se ocupa de la energía, los ritmos y las entonaciones de los patrones del habla y cómo estos impactan en el significado de las expresiones. Está claro que hay correspondencias considerables entre los elementos prosódicos del lenguaje –sus ritmos, acentos y entonaciones– y la música; la prosodia es, con mucho, el elemento del lenguaje más cercano al sonido musical –en oposición al significado semántico o incluso pragmático–. El estudio de la prosodia revela muchas de las características del estado emocional o expresivo de un hablante, del mismo modo que inferimos el contenido emocional de la música a partir de la interpretación de una obra. ¿Qué hay de la relación entre prosodia y composición? El vínculo entre la prosodia y la composición musical ha sido muy significativo en momentos particulares de la historia, pero faltan estudios completos sobre esta conexión. Este artículo tiene como objetivo abordar esta falta de investigación tomando como punto de partida el análisis de mi propia obra. Con estas ideas en mente ofrezco una visión general de las conexiones entre la prosodia y la composición musical, y examino algunos trabajos psicolingüísticos actuales sobre el tema. A continuación reflexiono sobre mi enfoque compositivo utilizando la prosodia como fuente de inspiración en dos obras propias: I Have a Dream para oboe solo y Romancero gitano para pianista-recitador. Cierro el artículo con unas reflexiones finales.

Palabras clave: análisis, composición, Federico García Lorca, Manuel Martínez Burgos, I Have a Dream, Romancero gitano

Prosody as a source of inspiration in composition, analysis of two 0wn pieces: I Have a Dream and Romancero gitano

Abstract
This article explores the notion of prosody and its relationship to musical composition. The linguistic study of prosody is concerned with the energy, rhythms and intonations of speech patterns, and how these impact on the meaning of utterances. It is clear that there are considerable correspondences between the prosodic elements of language—its rhythms, stresses, and intonations—and music; it is by far the closest element of language to musical sound—as opposed to semantic or even pragmatic meaning. The study of prosody reveals many of the features of any speaker's emotional or expressive state, in the same way that we infer emotional content in music from the performance of a work. But what of the relationship between prosody and composition? The link between prosody and musical composition has been very significant at particular moments in history yet there is a lack of any thorough scholarship on this connection. This article aims to address this research gap taking two of my pieces as a starting point. With these ideas in mind, I provide an overview of the connections between prosody and music composition, and examine some current psycho-linguistic work on the subject. I then reflect on my compositional approach using prosody as a source of inspiration in two of my own works: I Have a Dream for solo oboe and Romancero gitano for pianist-reciter. I close the article with some final reflections.

Keywords: analysis, composition, Federico García Lorca, Manuel Martínez Burgos, I Have a Dream, Romancero gitano

“Wie ein Naturlaut”: La representación musical del paisaje como desafío a la teoría de los tópicos

2023-12-14T15:49:30+00:00

En este artículo discuto algunas cuestiones conceptuales relacionadas con la teoría de los tópicos y, en particular, los problemas que plantea la distinción hecha por Raymond Monelle entre tópicos propiamente dichos e iconos musicales. Mi principal presupuesto es que, por regla general, el pictorialismo musical participa de la naturaleza retórica de la representación musical y tiende a desarrollar sus propias continuidades y transformaciones tópicas a lo largo de la historia. Como estudio de caso, ofrezco un examen de la pieza de Wagner conocida como “Waldweben” –de Siegfried, Acto II–, centrándome en algunos de sus aspectos morfológicos –melódico, armónico, rítmico, tímbrico, textural– y en las dimensiones intertextuales de su modo de representación del paisaje natural. Llamo la atención tanto sobre sus precedentes como sobre su posteridad, en ejemplos seleccionados de obras francesas, alemanas y rusas de finales del siglo XIX y principios del XX. Este enfoque intertextual permite la identificación de un tópico recurrente peculiar –designado aquí como tópico de “paisaje sonoro”– que puede considerarse como un elemento bien establecido del vocabulario retórico de gran parte de la “música de la naturaleza” de la época. Este jugó un papel importante en la reconfiguración de la temporalidad musical más allá de sus implicaciones retóricas, al disolver la oposición de fondo y primer plano, y al neutralizar el potencial de una lógica musical evolutiva/narrativa según el modelo clásico-romántico.

Palabras clave: teoría de los tópicos, icono musical, intertextualidad, pictorialismo, temporalidad, paisaje

Abstract
In this article, I discuss some conceptual questions relating to topic theory, and in particular the problems raised by Raymond Monelle’s distinction between topics proper and musical icons. My main presupposition is that, as a rule, musical pictorialism partakes of the rhetorical nature of musical representation and tends to develop its own topical continuities and transformations throughout history. As a case study, I offer an examination of Wagner's piece known as “Waldweben”—from Siegfried, Act II—, focusing on some of its morphological aspects melodic, harmonic, rhythmic, timbral, textural—and the intertextual dimensions of its mode of representation of the natural landscape. I draw attention both to its precedents and its posterity, in selected examples from works by French, German, and Russian composers of the late 19th and early 20th century. This intertextual approach allows the identification of a peculiar recurring topic—designated here as a “soundscape” topic—that can be regarded as a well-established element of the rhetorical vocabulary of a great deal of “nature music” of the period. The topic played an important role in the reconfiguration of musical temporality beyond its rhetorical implications, by dissolving the opposition of background and foreground, and neutralizing the potential of a developmental/narrative musical logic after the Classic-Romantic model.

Keywords: topic theory, musical icon, intertextuality, pictorialism, temporality, landscape

El modo dórico en el flamenco: La teoría musical al servicio de la ideología

2023-12-14T15:49:27+00:00

Entre los elementos musicales más característicos del flamenco se encuentra el modo frigio, máximo responsable a nivel auditivo del carácter exótico que se suele atribuir al género. Este modo, en algunas publicaciones puntuales, pero muy influyentes desde la segunda mitad del siglo XX, fue re-bautizado como “modo dórico” o “modo dórico flamenco”. El presente articulo pretende arrojar luz sobre las referencias de esta re-interpretación en fuentes de la Antigüedad clásica, donde se encuentran las raíces de la relación entre la estructura musical y el uso terminológico. Mediante un análisis de carácter semiótico se esbozará un conjunto de denotaciones y connotaciones que reflejan dicotomías fundamentales en la construcción de identidades occidentales y orientales. Estas dicotomías se encuentran también en la creación de un imaginario español y, por extensión, del flamenco desde la segunda mitad del siglo XVIII. Desde las primeras consideraciones del flamenco por parte de la intelectualidad española a finales del siglo XIX, se aprecia una voluntad de relativizar sus asociaciones incómodas y enfatizar sus aspectos tradicionales, artísticos y especialmente históricos. Éstas, a su vez, servían de fundamento para que una parte de la flamencología realizase la descrita re-interpretación del modo frigio como dórico. Finalmente se situará la re-interpretación en su contexto ideológico de la segunda mitad del siglo XX, con respecto tanto a la estética flamenca como al trasfondo histórico-político.

Palabras clave: flamenco, frigio, dórico, semiótica, ideología

Abstract
The Phrygian mode appears amongst flamenco’s most characteristic musical elements, responsible for the exotic character often attributed to the genre. This mode was re-named “Dorian mode” or “Dorian flamenco mode” in some of the most influential publications since the second half of the 20th century. The present article pretends to shed some light on the references of this re-interpretation in the classical Antiquity, where the roots of the link between musical structure and terminology can be found. By means of a semiotical analysis, a sketch of a group of connotations and denotations will be made which reflect fundamental dichotomies for the construction of Western and Eastern identities. These dichotomies can also be found in the creation of a Spanish and, by extension, flamenco imagery since the second half of the 18th century. Beginning at flamenco’s first mention by Spanish intellectuals at the end of the 19th century, a will to play down embarrassing associations and emphasize traditional, artistic and especially historical aspects can be observed. These, in turn, served a part of modern flamencology as a basis for the above described re-interpretation of the Phrygian mode as Dorian. Finally, the resulting discourse is explained in the ideological context of the second half of the 20th century, with respect to flamenco aesthetics as well as the historical-political background.

Keywords: flamenco, Phrygian, Dorian, semiotics, ideology

El Cajón del Mariachi: Schemata of a Vernacular Genre

2023-12-14T15:49:24+00:00

Abstract
Mariachi music has long been recognized as a—perhaps the—central genre of vernacular music in Mexico, with scattered academic studies investigating its ties to Mexican culture, myth, and national identity. But the music itself, still propagated largely through oral instruction, has received little attention. Good Mariachi practice is based on a holistic model of performance that includes a prescribed repertoire of bass lines, harmonic changes, meters, forms, and instrumental voicings that operate in synchrony. Despite having coalesced around distinct regional styles both within and outside of Mexico, the musical tradition of Mariachi rests on select formal principles drawn from the Mexican Ranchera, Mexican Son and the historic instrumentation of trumpet, violin, vihuela/ guitar, and guitarrrón, transmitted primarily through aural instruction. This makes Mariachi an ideal case study for unique schema prototypes inspired by Robert Gjerdingen’s Music in the Galant Style and modeled on foundational examples in the core Mariachi repertoire known as Cajón. These archetypes incorporate specific harmonic motions, bass patterns, and instrumental voicings within a single, well-defined unit. We will also address the practice of marrying instrumental performance practice to vocal delivery and describe how those units shape larger musical narratives. We further address these paradigms as they shape repertoire expansion and the expression of regional style within other genres of Norteño music.

Keywords: Mariachi, Cajón, schema theory, Ranchera, Norteño

Resumen
Se ha reconocido al mariachi durante mucho tiempo como un género –quizás el género– central de la música vernácula en México, con estudios académicos dispersos que investigan sus vínculos con la cultura, el mito y la identidad nacional mexicana. Sin embargo, la música en sí, que aún se transmite en gran medida a través de la instrucción oral, ha recibido poca atención. La buena práctica del mariachi se basa en un modelo holístico de interpretación que incluye un repertorio determinado de líneas de bajo, cambios armónicos, compases, formas y disposiciones instrumentales que operan en sincronía. A pesar de haberse consolidado alrededor de estilos regionales distintos tanto dentro como fuera de México, la tradición musical del mariachi se basa en principios formales preferidos y extraídos de la ranchera mexicana, el son mexicano y la instrumentación histórica para trompeta, violín, vihuela/guitarra y guitarrón, transmitidos principalmente a través de la instrucción aural. Todo esto significa que el mariachi es un caso de estudio ideal para prototipos únicos de esquemas, inspirados en Music in the Galant Style de Robert Gjerdingen y modelados a partir de ejemplos fundamentales en el repertorio central del mariachi conocido como Cajón. Estos arquetipos incorporan movimientos armónicos específicos, patrones de bajo y disposiciones instrumentales dentro de una unidad clara y bien definida. También abordaremos la práctica de unir la interpretación instrumental con la emisión vocal y describiremos cómo esas unidades dan forma a narrativas musicales más amplias. Abordaremos además estos paradigmas a medida que dan forma a la expansión del repertorio y la expresión del estilo regional dentro de otros géneros de música norteña.

Palabras clave: mariachi, cajón, teoría de esquemas, ranchera, norteño

Reseña: Congreso Internacional Tópicos en la música hispana: siglos XVIII-XXI. Valladolid, 20-22 de octubre de 2022.

2023-12-14T15:49:22+00:00